Ce n'est qu'avec l'apparition de la peinture à l'huile, développée par des artistes comme Jan van Eyck, que les peintres ont pu se libérer peu à peu de la contrainte de la rapidité d'exécution. Dès lors, ils pouvaient peaufiner leur œuvre plus longtemps avant de commencer à y ajouter de la couleur. L'évolution picturale pendant la Renaissance :: CRÉA'RT. Ces cartons originaux nous sont parvenus sous forme de dessins au fusain, à la sanguine, à la mine de plomb voire à la plume. Le dessin est parvenu à un niveau d'excellence, et certains artistes ont commencé à les traiter comme des œuvres à part entière. De la fresque au tableau Dans la Galerie des Offices, à Florence, une longue frise, quasiment collée au plafond dans les longs couloirs qui donnent accès aux salles d'exposition du musée, donne à voir les portraits des rois et puissants des siècles précédents, des Habsbourg aux Médicis en passant par les Valois ou les Papes. Les visiteurs ne jettent qu'un regard distrait sur ces portraits standardisés, se précipitant vers les chefs-d'œuvre réalisés par Botticelli ou Bronzino.
En Flandre et en Toscane, puis en Allemagne, c'est une véritable renaissance culturelle et artistique. Du croquis à la fresque Les Italiens utilisent le terme disegno pour décrire l'ensemble du processus de création. Le dessin n'est alors qu'une simple étape préliminaire au travail final sans autre but que de préparer une sculpture, une fresque ou une peinture de commande. Ces dessins préparatoires sont appelés des « cartons », un terme qui vient de l'italien cartone, signifiant tout simplement « croquis préliminaire ». Peintres avant renaissance l’exemple de gabriele. Les artistes de la Renaissance multipliaient les cartons pour pouvoir exécuter les fresques qu'ils réalisaient sur des supports humides. Dessinés à partir de croquis, les cartons sont souvent de la même taille que la toile finie. Peu à peu, le dessin a cependant acquis ses lettres de noblesse et certains artistes ont commencé à les traiter comme des œuvres autonomes. Une fois le dessin tracé sur le mur préparé à la chaux, les peintres ne disposaient que de quelques heures pour appliquer la couleur sur cette matière en train de sécher.
Les artistes de la ville de Pise y peignent des triptyques religieux, mais leur école ne se poursuivra pas aux siècles suivants, compte tenu de la prise de pouvoir de Florence. Les fresques murales des monastères de Toscane sont décorées de petits personnages sur fond bleu figurant des anges, uniquement représentées par des têtes blondes poupines et des ailes: ce sont les angelots.
C'est l'architecte florentin Filippo Brunelleschi (1377-1446) qui fut le premier à exposer les principes de la perspective artificielle. Il en fait la démonstration en proposant un modèle théorique réalisé en 1415 à Florence, à l'aide d'un miroir et d'un dessin monté sur une planchette. Tout d'abord, il réalise un dessin du baptistère de Florence. Il le monte ensuite sur une planchette dans laquelle il a percé un trou. Puis il place un miroir face au dessin et regarde à travers le trou pour en voir le reflet. En comparant le reflet de son dessin avec le baptistère réel, il observe qu'il n'y a pas de différence entre le tableau et l'édifice réel lorsque l'observateur se tient à un endroit précis. La perspective a donc été parfaitement utilisée, et le trou dans la planchette représente le point de fuite. La perspective se résume à quelques notions. En effet, par rapport à celui qui dessine, toutes les lignes qui sont verticales ou horizontales sur le dessin le sont dans la réalité. Peintres avant renaissance numérique. Les lignes parallèles dans la réalité, situées dans un plan qui n'est pas parallèle à celui du tableau, convergent en un même point, le point de fuite.
skytimetravel.net, 2024