C'est bien notre intention ». La photographie devenue subjective ne restitue plus seulement ce qui lui fait face mais réinterprète le réel. Les photographes développent ainsi une esthétique particulière afin de contrer la standardisation des images. La nouvelle objectivité Elle naît outre-Rhin dans les années 20 et entre en résonance avec la crise sociétale et économique qui percute l' Allemagne juste après la première guerre mondiale. Ce mouvement représenté par Albert Renger Patzsch s'oppose au pictorialisme et à sa volonté jugée trop insistante d'affirmer sa subjectivité esthétique. Gewerbemuseum, Albert Renger Patzsch La vision désenchantée des photographes marquée par les horreurs de la guerre et influencée par l'ère industrielle s'attaque à une réalité plus prosaïque. Détachés des artifices, ils ont à coeur de décrire fidèlement le monde qui les entoure. Le beau surgit de ces visions étrangement ordinaires qui révèlent l'importance de l'oeil du photographe. Le surréalisme Ce mouvement, d'abord littéraire, est initié par le poète et écrivain André Breton qui fait paraître en 1924 Le Manifeste du surréalisme.
PHOTOGRAPHIE « PLASTIQUE » Pendant l'entre-deux-guerres, la photographie s'intègre aux avant-gardes internationales. Le décloisonnement des arts favorise les relations entre artistes de disciplines différentes et génèrent des talents polyvalents. Les artistes travaillent ensemble. Les photographes sont aussi plasticiens et/ou peintres, sculpteurs, comme Hans Bellmer (1902- 1975), César Domela (1900-1992), Man Ray (1890-1976), Robert Tatin (1902-1983) en France, Florence Henri, Laszlo Moholy-Nagy (1895- 1946) en Allemagne, Alexandre Rodchenko (1881-1956) en U. R. S. Certains réalisent des « photomontages », technique dadaïste, allemande d'origine, qui juxtapose des clichés découpés puis parfois rephotographiés. Les sujets sont contestataires, sociaux et politiques (John Heartfield, Helmut Herzfelde, 1891-1968, Gustav Klucis, 1895-1942), poétiques (Max Ernst, 1891-1976). Des artistes constructivistes créent des illustrations d'ouvrages (El Lissitsky, 1890-1941, Rodchenko), les surréalistes présentent une nouvelle conception de la réalité (Man Ray et les polarisations, Frederick J. Kiesler, 1896-1966, Marcel Marien, né en 1920).
Notamment, le terme de photo-réalisme attaché au courant américain de l'hyperréalisme (> HYPERRÉALISME), évoque la pratique d'artistes entre 1965 et 1970 qui exécutent leurs tableaux en transférant fidèlement sur la toile des épreuves photographiques (images projetées, mise au carreau). Ils obtiennent une précision glacée pour rendre compte objectivement de la réalité du monde moderne. Andy Warhol (1928- 1987) pose également un regard sur la société en prenant la photographie comme modèle. Contrairement à ceux-ci, l'artiste contemporain Gerhard Richter (né en 1939) crée des tableaux photo-réalistes dans l'optique d'un questionnement de la peinture avec la notion d'image pure. On observe également des tentations picturales dans la démarche de photographes contemporains, tels que Christian Milovanoff (né en 1948). Mais également, au début des années 1980, les appellations de « tableau photographique » ou « photo-tableau » s'appliquent à une conception de l'image photographique selon le modèle de la forme du tableau, dans les démarches de Jean-Marc Bustamante (né en 1952) en France et de Jeff Wall (né en 1946) au Canada.
On va parler aujourd'hui un peu technique. Technique de composition plus exactement. En photographie, on distingue deux types de mouvements. Le mouvement en tant que sujet qui consiste à photographier un geste / un mouvement. Par exemple, en photographie culinaire, ça correspond à photographier une main en train de mélanger une pâte à gâteau, une main qui dresse des meringues… Si le sujet vous intéresse, je peux vous orienter vers mon article sur la vitesse qui vous explique comment faire. Le mouvement en tant que composition qui consiste à utiliser des lignes directrices pour diriger le regard, apporter du dynamisme et créer un mouvement visuel. Ce qui m'intéresse aujourd'hui, c'est l'utilisation de ces lignes directrices pour dynamiser une mise en scène. Les lignes directrices En photographie, les lignes directrices sont des éléments graphiques qui permettent d' apporter du dynamisme à une composition et, quand elles sont bien employées, à diriger votre regard à travers une photo. Les lignes directrices peuvent être horizontales, verticales, diagonales et courbes.
En 1er lieu, vous avez dû entendre parler des filtres. Si vous voulez photographier à basse vitesse quand il y a beaucoup de lumière, la photo risque rapidement d'être trop claire et donc surexposée. Dans ce cas vous pouvez rapidement opter pour des filtres qui vous permettent de photographier à basse vitesse en atténuant la grande quantité de lumière en journée. Il s'agit alors des filtres ND. Un chiffre se situe après cette référence. C'est tout simplement le nombre de fois que le filtre bloque la lumière. Par exemple pour un ND1000 le filtre bloquera la lumière 1000 fois, un filtre ND 400 réduira la lumière de 400 fois… On trouve aussi des filtres ND2, ND4, ND8 etc. J'ai écrit un article il y a quelque temps sur le blog au sujet des filtres si vous voulez en apprendre davantage, cliquer ici. Filtre ND1000 77mm Acheter un filtre ND1000 au meilleur prix Il y a ensuite un accessoire indispensable au photographe de portrait, mais évidemment cet accessoire s'adapte à tout type de photo, à partir du moment où l'on parle de lumière, c'est le réflecteur.
À l'inverse, lorsque les lignes diagonales tendent vers l'horizon, le dynamisme est atténué. Voici un exemple de dynamisme créé par des lignes diagonales: Les lignes diagonales sont suggérées par les poires. Elles ont été placées dans des directions opposées pour créer un tableau dynamique. Les flèches blanches montrent de manière évidente l'orientation de chaque poire. On remarque d'ailleurs que le dynamisme est plus présente à l'arrière-plan, avec la poire debout, qu'au premier plan avec la poire couchée. Mais les 3 poires réunies créées une tension dynamique intéressante. Et voici ci-dessous un exemple de lignes fuyantes, représentées par les lignes des planches en bois qui convergent vers le fond. Elles amplifient ainsi la perspective, offrant un peu plus de profondeur pour dynamiser le cadrage paysage. Autre exemple de lignes fuyantes, sur la photo ci-dessous. Ici, c'est la recette elle-même qui crée la perspective. L'idée est de placer plusieurs éléments dans des directions opposées, excepté celui du milieu parfaitement face à nous.
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